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Las cuatro palabras podrían definir la resultado En este cosmos loco, en esta tenebrosidad brillante, que dirige Nayla Posse sobre el escrito de la dramaturga brasileña Silvia Gómez.
Con las actuaciones de Daniela Flombaum, Carolina Saade, la resultado aborda la constreñimiento física y sexual hacia las dama desde una perspectiva que resulta amorosa y cotidiana. Humor, dolor, poesía, sacudón.
La sinopsis de la resultado balance que mientras los aviones despegan y aterrizan en diversas partes del cosmos, la rutina de la vigilante del KM 23 se ve alterada por la presencia de una chica delirante que yace en la pista después de haber sido agredida sexualmente en una tenebrosidad estrellada.

El contexto de inminente peligro configura una intensidad teñida por guiños de humor y una profundidad que conmueve. Todo el contenido que se desprende de estos temas me opinión vital, pero lo que más me interesó fue como estaban abordados. No había lugar a ningún espacio de revictimización ni de golpe bajo.
“La resultado habla de la constreñimiento hacia las dama, pero igualmente de la resiliencia, de la empatía, del cuidado, de la amistad.

Esa postura del material me permitió habilitar, muy pronto, cierta libertad emocional para ver qué nos pasaba en los ensayos con el materia. En la resultado misma opinión latir la pregunta: ¿cómo vamos a hablar de esto?”, explica a Tiempo Argentino, su directora Nayla Posse.
balance que cuando leyó la resultado le resultó conmovedora. “Fue una sensación contundente, que abarcó desde lo intelectual hasta la visceral”, agrega.

-¿Qué te atrajo de este escrito para llevarlo a escenario?
–A mí me tocaba ver cómo abordar el materia con los lenguajes de la escenario. ¿Como vamos a hablar de esto sin que sea de una pesadez insoportable? ¿Qué aspectos éticos, afectivos, poéticos vamos a convocar para que esta resultado no sea un yunque, pero, a su vez, trate el materia con respeto? Pero Silvia Gómez, no sólo es una intelectual, igualmente es una poeta. Eso me permitió enfocarme, antes que nada, en la actuación.
Así que, en sus textos, dejó abierta la puerta para que pudiera entrar esa humanidad tan necesaria para el abordaje del material.

Este diálogo no persigue quebrar el universo ficcional sino cargarlo de otras texturas. Además, el escrito tiene un registro muy clásico, en donde se balance una historia. Es una resultado muy potente para actuar, compleja, con excesivo para exprimir. Y tiene otro registro que opinión interpelar a la propia ficción, un registro más cercano a lo que llamamos realidad.

Eso me interesó excesivo. Y igualmente la invitación a trabajar un universo sonoro y musical. La música logra decir excesivo de lo que las palabras no dicen. Sebastián Schachtel, el compositor, creó una dramaturgia sonora que es una especie de andamio en el que se levanta y expande la sensibilidad de la pieza.

–¿Qué desafíos tuviste a la hora de ponerlo en escenario?
-Lo más complejo fue el comienzo. Es la escenario que más veces pasamos y con la que más pruebas hicimos, seguimos tocando cosas hasta el último ensayo. Fue la escenario más difícil de montar, porque la decisión que tomara iba a fundar pellizco muy importante en la resultado. La resultado comienza con un abuso sexual.

Probamos de todo e íbamos testeando entre nosotrxs la temperatura que eso generaba. Realmente fue un desafío.
Otro de los grandes desafíos fue el tiempo. Una vez que el equipo estuvo completo, lograr que el material madure a tiempo fue un reto.

El equipo respondió de maravilla, nos tiramos de cabeza desde el primer ensayo. Me interesa hacer foco en la sensibilidad como una forma de fortaleza, en la capacidad empática que habita en lo femenino, en la resiliencia, en las prácticas de cuidado, en la infinita creatividad que recorre los vínculos, en la complicidad y igualmente en las contradicciones.
-¿Qué te interesaba mostrar del encuentro entre estas dos dama?
-Todo lo que fuera posible. Tenía una idea clara de poner en primer plano la actuación y de trabajar en una zona de honestidad radical, pero había que estar bien alerta para no perdernos de lo que el presente nos iba arrojando, de ver cuanto funcionaban las pruebas.

Siento que esa pregunta nos lleva a una revisión constante, que nos mantiene despiertxs, fuera de las identidades normativas. Me interesa la relación con lo afectivo, con los procesos y me interesa, en general, la pregunta por él “como”. Creo que en esa vitalidad hay una resistencia genuina al capitalismo, porque justamente lo creado, en este caso, no se puede apresar. Entonces, de este encuentro me interesaba enaltecer toda la fuerza vital que se hace presente en lo vincular.

Me interesaba radicalizar la sensación de honestidad que me provocó la resultado.
-La resultado tiene una mirada y una construcción poética muy profunda, ¿cuál fue el trabajo que debieron realizar para lograrlo?
– El primer trabajo fue escuchar lo que la resultado tenía para decirnos Y, después, estar al acecho de todo lo vivo que pudiéramos producir. La empatía, la ternura es todo lo que el sistema no puede apresar, es lo que se fuga y por tanto es, de alguna manera, lo que lo resiste.
La constreñimiento es producto del sistema, es la segregación más nefasta del capitalismo y el patriarcado.

En el representación todo se resignifica (un intérprete actúa un papel, el escenario es otro espacio, las luces son artificiales), se pone a prueba el principio de identidad. El representación produce en sí mismo un efecto de sinceridad singular. En este lineamiento se trabajó la puesta, en la relación con la sinceridad con no aparentar, con no fingir. Para mí, pocas cosas son tan reales como las que pueden pasar en un escenario.

Es una convención que nos contiene de una manera que considero cercana, necesaria para abordar el materia.
Quería trabajar esa sinceridad lo más desnuda que pudiera. Lo que Alain Badiou llama: una sinceridad-representación, que no existe en ningún otro lugar que no sea en el escenario. Siento que esa sinceridad nos acerca para tratar este materia, nos permite auscultarlo, diseccionarlo, intervenirlo juntxs.

El materia llega por la crudeza y es demoledor, pero igualmente la gente se ríe, a veces con timidez, porque les da vergüenza… ¡Si supieran todo lo que trabajamos para intentar que se rían! Nos hace bien que se rían, nos ayuda a exorcizar lo doloroso del materia y no por eso le sacamos importancia. Ellas recorren un abanico de emociones extraordinarias.
La resultado en toda su crudeza tiene pellizco luminoso, que las actrices captaron muy bien.
-¿Cómo impacta en el público la temática y el abordaje en esta resultado?
-Los comentarios que me llegan son muy amorosos, alentadores y emocionantes.

A veces, la gente se pone a hacer palmas en el último materia, y eso a mí me emociona excesivo. pellizco que celebro enormemente es que mucha gente me viene diciendo que se queda “arriba”, como encendida, con ganas de gritar, de bailar o de cantar a coro la canción final. Siento pellizco así como de ritual, de comunidad, como si juntxs pudiéramos dejar afuera la crueldad del cosmos.
La resultado se funda en el horror, pero estamos vivas y nos tenemos, Me opinión importante gritar por nosotras y por todas las que no están, y en ese grito hay complicidad, hay apoyo, hay equipo.

En este cosmos loco en esta tenebrosidad brillante se presenta todos los domingos de mayo y de junio a las 20 en el representación Dumont 4040, Santos Dumont 4040
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